Insidetaiwan.net a eu l’occasion d’échanger avec Nelicia Low, réalisatrice au parcours singulier, passée de l’escrime de haut niveau au cinéma d’auteur. Dès l’enfance, elle savait vouloir raconter des histoires par l’image, en explorant des zones intimes, complexes et rarement abordées frontalement : les liens familiaux, l’amour projeté, la mémoire et la construction émotionnelle. Dans cette interview, elle revient avec une grande lucidité sur son cheminement artistique, ses choix narratifs et sa manière de concevoir la mise en scène comme un prolongement direct de l’expérience humaine. Son premier long métrage, Pierce, marque une étape clé dans sa carrière et a été entièrement tourné à Taïwan, territoire qui sert de cadre à ce récit profondément personnel.
Nous remercions chaleureusement Paul Chaveroux, attaché de presse, pour avoir facilité et rendu possible cette interview.
Pouvez-vous nous parler de votre parcours, de l’escrime au cinéma ?
En réalité, c’était du cinéma vers l’escrime – je n’ai commencé l’escrime que parce que j’ai grandi en étant fasciné par des films comme Star Wars et Le Seigneur des anneaux, et que je voulais apprendre le maniement de l’épée comme les personnages de mes films préférés. Le cinéma était mon destin depuis l’enfance, une vocation presque surnaturelle – je savais que je voulais être réalisateur dès l’âge de 7 ans. Le parcours le plus difficile a été de me convaincre moi-même, en tant que Singapourien évoluant dans une société extrêmement pragmatique où l’art n’a pas vraiment de place, qu’il m’était possible de partir et de poursuivre mes rêves.
Comment s’est opérée la transition entre l’escrime de haut niveau et le cinéma ?
Après les Jeux asiatiques de 2010, j’ai finalement ressenti qu’il était temps de me concentrer entièrement sur mon véritable objectif de vie : faire des films. L’escrime a été un très beau détour, et je suis encore très proche de mes anciens coéquipiers aujourd’hui. D’ailleurs, l’équipe d’escrime taïwanaise a été profondément impliquée dans la réalisation de Pierce, et je n’aurais pas pu faire ce film sans elle. Ils sont tous retraités et coachent désormais, et ils ont amené leurs élèves comme figurants pour mes scènes d’escrime. Le coach dans Pierce était en réalité mon adversaire à l’époque où je faisais de l’escrime !
Comment l’idée de votre premier film, Freak, vous est-elle venue ?
Je ne m’en souviens pas, mais mon deuxième court métrage, Freeze, portait sur mon frère autiste, et en réalisant Freeze, j’ai su que je voulais aussi consacrer mon premier long métrage à lui.
Quelles sont les principales différences entre la réalisation d’un court métrage et celle d’un long métrage ?
Le travail de mise en scène en lui-même est le même. La plus grande différence réside dans le processus d’écriture (il m’a fallu cinq ans pour écrire Pierce), ainsi que dans les défis liés aux aspects commerciaux et non artistiques propres aux longs métrages.
Qu’est-ce que vous appréciez le plus dans la réalisation de films ?
Travailler avec les acteurs. Dès que les répétitions commencent, je vois réellement mon scénario prendre vie, et c’est extrêmement excitant. J’ai eu la chance de bénéficier d’un mois entier de répétitions quotidiennes avec les acteurs de Pierce. Je leur ai fait improviser des situations que j’avais écrites pour l’arrière-plan de leurs personnages (les jeux auxquels les frères jouaient enfants, les horreurs que la mère a vues et que Zijie n’a pas vues, le jour où la mère a rencontré celui qui allait devenir son compagnon, ce qui est arrivé à Zijie le jour où Zihan a été arrêté, le jour où la mère a surpris Zijie en train d’essayer d’aller en prison voir son frère sans y parvenir parce qu’il était mineur), puis nous avons répété l’intégralité du scénario.
J’ai tout enregistré et monté ces images afin que mon équipe artistique (le directeur de la photographie Michal Dymek, le directeur artistique Hsu Kuei-Ting, Marcus Zheng, etc.) puisse visionner le « film entier » du début à la fin. Cela nous a permis de discuter et d’ajuster notre vision avant le tournage.
Comment abordez-vous l’écriture de vos scénarios ?
Tout commence toujours par quelque chose de très personnel et autobiographique, et cela semble toujours être lié à l’amour d’une manière ou d’une autre. Il s’agit souvent d’un amour inattendu, non conventionnel. Par exemple, lorsqu’on pense à l’amour familial, on pense généralement en premier lieu à la relation parent-enfant. Mais pour moi, en raison de ma relation avec mon frère autiste et de l’impact qu’elle a eu sur moi, c’est la relation fraternelle qui s’impose en premier, et c’est ce qui a finalement inspiré Pierce. Mon prochain scénario traite d’un amour qui naît à travers l’art, une autre forme d’amour peu commune.
Quelle est l’importance de la photographie dans votre travail de réalisateur ?
Pour moi, tous les aspects du cinéma doivent servir le récit. J’ai rencontré de nombreux directeurs de la photographie avant de choisir Michal Dymek, car il possède cette rare capacité à faire passer la narration avant son ego, en comprenant que chaque choix visuel, chaque plan, chaque cadre doit servir l’histoire plutôt que de n’être qu’une belle image esthétique.
Dans un film qui oscille entre une tension immobile et latente et des scènes d’escrime visuellement et auditivement très chargées, Michal a su s’adapter et construire notre vision autour du jeu des acteurs, tout en capturant le bon rythme pour accompagner l’histoire et les émotions à l’écran.
J’ai travaillé quotidiennement avec Michal sur le découpage technique pendant un mois, en commençant six mois avant le tournage. Tout était planifié avec précision, et une stratégie globale pour la photographie du film a été élaborée en fonction de l’évolution des émotions. Nous nous sommes concentrés sur plusieurs éléments majeurs.
Tout d’abord, l’idée que la relation entre les deux frères puisse être une projection fantasmatique de Zijie. Nous avons accordé une attention particulière à la première apparition de Zihan à l’école de Zijie pour l’entraîner, en décidant d’en faire l’un des rares longs plans du film afin de créer un malaise quant aux intentions de Zihan. L’image devait également être étrangement belle, ce que nous avons obtenu en collaboration avec les directeurs artistiques Hsu Kuei-Ting et Marcus Zheng. Kuei-Ting a proposé l’idée d’utiliser des arroseurs dans un vaste champ sombre pour créer une image éthérée, presque magique. Ces arroseurs renforçaient aussi le motif récurrent de l’eau dans le film – la pluie lors d’un moment heureux entre les frères, et la rivière, essentielle dans leur histoire commune.
Avec les ingénieurs du son, nous avons également décidé d’ajouter des échos à certaines scènes pour accentuer le caractère surréaliste. Eric Mendelsohn, avec qui j’ai co-monté le film, a contribué à affiner ce sentiment dans la scène des arroseurs. À la fin du long plan, Zihan s’éloigne en courant, le plan est rompu, et nous passons à un gros plan de Zijie, stupéfait et confus face à la présence de son frère. Nous revenons ensuite sur le champ vide après la disparition complète de Zihan. Eric et moi avons choisi de raccourcir la transition afin de donner l’impression que Zihan s’est presque volatilisé, ce qui nous amène à nous demander, comme Zijie : son frère était-il réellement là ou n’était-ce que son imagination ?
Ensuite, Michal et moi avons travaillé sur la manière de créer un lien visuel entre les deux frères lorsque l’incident mystérieux de la rivière, survenu durant leur enfance, était évoqué. Michal avait d’abord imaginé un long mouvement circulaire de caméra pour traduire la manipulation et la confusion. Bien que cette idée soit intéressante et que nous ayons utilisé ce procédé ailleurs dans le film, j’ai ressenti que le lien principal devait être plus simple visuellement et permettre au jeu d’acteur de ressortir. Je me suis souvenu du documentaire The Imposter (2012), dans lequel l’interviewé regarde directement la caméra, provoquant un profond malaise chez le spectateur. Je me suis aussi inspiré de Memories of Murder (2003) de Bong Joon Ho, avec ses très gros plans qui poussent le public à douter de la culpabilité du suspect. J’ai donc conçu avec Michal des gros plans extrêmes, tournés avec de très longues focales, chaque fois que Zijie interroge Zihan au sujet de la rivière, en demandant aux acteurs de regarder directement l’objectif. Cela crée non seulement un lien intime entre les frères, mais permet aussi au spectateur de ressentir l’effort de Zijie pour déchiffrer le visage énigmatique de son frère.
Comment travaillez-vous le son et la musique dans vos films ?
Pour Pierce, j’ai choisi les chansons de Neil Sedaka « Oh Carol » et « You Mean Everything to Me », car ce sont des morceaux que mon frère aime. En raison de son handicap, il ne pourra pas comprendre mon film, mais j’espérais qu’il apprécierait au moins la musique. Sur le plan artistique, ces standards américains renforçaient la nostalgie entre les frères et donnaient à leur relation une mélancolie particulière.
Travailler avec Piotr Kurek a été formidable, car il a parfaitement compris mon intention. Il a su créer une atmosphère nostalgique chaque fois qu’un souvenir clé était évoqué. Il a utilisé un petit piano-jouet pour reprendre le thème de « You Mean Everything to Me », ajoutant une mélancolie enfantine, discrète mais très forte. Pour le reste de la musique, Piotr a apporté une qualité tranchante, presque comme une lame, accentuant les moments de violence et d’horreur.
Dans les grandes scènes de repas familiaux, nous voulions une musique à la fois diégétique (NDR : Relatif à la diégèse, à l’espace-temps dans lequel se déroule l’histoire proposée par la fiction d’un récit, d’un film) et non diégétique : elle commence comme un simple fond sonore du restaurant, puis réagit progressivement au drame qui se joue à table. Je voulais brouiller la frontière entre réalité et rêve tout au long du film, afin de refléter la vision idéalisée que Zijie a de son frère.
Le travail sur le design sonore avec Tu Duu-Chih et Wu Shu Yao visait aussi à renforcer ce sentiment surréaliste. Ils ont eu l’idée d’ajouter de l’écho aux scènes d’entraînement avec les arroseurs pour donner l’impression que Zihan n’était peut-être pas réellement présent. Dans la scène finale, lorsque les deux frères sont sur scène, ils ont supprimé le son des rideaux soufflés par le vent pour accentuer l’étrangeté du moment. Ils ont également ajouté de l’écho aux dialogues, créant une impression presque « céleste », donnant à cette conclusion une sensation d’irréalité, exactement comme je l’avais imaginée.
Avec En Garde, pourquoi avoir placé l’escrime au cœur de l’histoire ?
L’escrime est un sport comparable à une partie d’échecs jouée avec des épées : il faut être extrêmement intelligent, car il est essentiel d’anticiper le prochain mouvement de l’adversaire. En écrivant le personnage de Zihan, j’ai senti qu’il excellerait naturellement dans ce sport, car il est manipulateur, très habile pour deviner les émotions des autres et devenir ce que l’on attend de lui.
Le film explore la relation entre frères. Pourquoi ce thème et que souhaitiez-vous en tirer ?
L’histoire s’inspire en partie d’un fait réel survenu à Taipei en 2014, alors que je tournais un court métrage. Cheng Chieh, 21 ans, a poignardé des passants dans le métro, tuant quatre personnes. Tandis que son jeune frère lui rendait visite au commissariat, en pleurs et dans le déni, leurs parents sont descendus dans les rues de Taipei pour présenter des excuses publiques et demander au gouvernement d’exécuter leur fils.
La réaction du jeune frère m’a profondément rappelé ma relation avec mon frère aîné autiste. Enfant, je l’idéalisais comme un grand frère aimant et protecteur. En grandissant, j’ai compris que cette relation existait surtout dans mon imagination. Accepter que je ne saurais jamais s’il partageait réellement mon amour a été une épreuve douloureuse, et c’est exactement le parcours que suit Zijie dans Pierce. En raison de cet événement réel, je ne pouvais imaginer le film se dérouler ailleurs qu’à Taïwan.
Freeze et Pierce ont été des tentatives pour explorer mes sentiments complexes envers mon frère. Lorsque l’on parle d’amour ou de famille, on pense souvent à la relation parent-enfant. Pour moi, en raison de son handicap et de ma responsabilité implicite de futur aidant, la relation fraternelle a toujours été la plus centrale dans ma vie.
Pour faire face à l’autisme de mon frère, j’ai probablement projeté mon amour sur lui étant enfant. Je l’imaginais comme un grand frère attentionné qui me tenait la main lorsque nous sortions. C’était une façon de survivre, car je l’aimais profondément et avais désespérément besoin qu’il m’aime en retour. Plus tard, j’ai compris qu’il ne m’avait jamais tenu la main de son plein gré : c’était moi qui m’agrippais à la sienne pour l’empêcher de s’enfuir et de se perdre. Je me suis persuadé que mon acte de protection était une preuve de son amour. Ce qui est étrange, c’est que même une fois cette illusion dissipée, l’amour que je lui portais est resté intact. C’est précisément cette question que je voulais explorer dans Pierce : si l’amour n’existe que dans votre esprit, est-ce encore de l’amour ?
Pourquoi avoir choisi de tourner à Taïwan ?
L’histoire s’inspire en partie d’un événement réel survenu à Taipei en 2014, lorsque j’y tournais un court métrage. Cheng Chieh, 21 ans, a attaqué des passants dans le métro, faisant quatre morts. Tandis que son jeune frère lui rendait visite en pleurs au commissariat, leurs parents ont publiquement demandé son exécution. La réaction du frère cadet a fortement résonné avec ma propre relation à mon frère autiste. Enfant, je l’idéalisais ; adulte, j’ai compris que cette relation était largement construite dans mon esprit. Le cheminement de Zijie dans Pierce reflète exactement cette prise de conscience douloureuse. En raison de cet événement déclencheur, il m’était impossible d’imaginer le film se dérouler ailleurs.
Au moment du tournage, Taïwan était également le seul endroit en Asie où le mariage homosexuel était légalisé. Comme je voulais représenter la romance naissante entre Zijie et sa coéquipière Jing Hui comme une relation positive et pleine d’espoir, en contraste avec les autres relations plus tendues du film, Taïwan, société ouverte aux questions LGBTQ+, était le seul lieu crédible pour cela.
L’escrime est l’un des rares sports dont la langue officielle en compétition internationale est le français. Avez vous des réalisateurs français que vous admirez particulièrement ?
Mon film français préféré est Les Yeux sans visage de Georges Franju.*
Enfin, vous avez suivi un parcours professionnel atypique. Pourriez-vous partager trois conseils qui vous ont aidé et vous aident encore aujourd’hui ?
Avoir un solide système de soutien, car l’industrie du cinéma est extrêmement difficile et instable. Écrire même lorsque l’on n’en a pas envie, et ne jamais entrer en production si le scénario n’est pas prêt. Ne jamais perdre son intégrité, car c’est la seule chose qui vous appartient vraiment à la fin.
Vous pouvez suivre Nelicia Low sur son compte Instagram ou sur son site Internet
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